EL CINE
"Sabes que este puesto de operador no es de porvenir. Es más bien un puesto de vagabundo que puede durar seis meses, un año, quizás más, quizás menos”... (Louis Lumière, a su primo, antes de la histórica proyección de sus films de corto metraje).
PRECURSOR: Giambattista della Porta, físico italiano, descubrió la linterna mágica, en 1598
Cada tarde, cada noche, millones de hombres, mujeres y niños de los más opuestos puntos del globo van al cine. Ante la pantalla, moderna alfombra mágica que transporta al espectador a través de mundos y maravillas aún más variados que los de "Las mil y una noches", públicos de las más heterogéneas lenguas, costumbres, razas y gustos, observan ávidamente, como queriendo aprisionar para siempre en sus retinas las imágenes que se mueven, hablan, cantan y, por último, se desvanecen al encenderse las primeras luces de la sala. En París, seis mil personas repletan el Gaumont–Palace, el salón de cine más grande de Francia y aplauden o reprueban el último film de la llamada "nouvelle vague". En Nueva York u otra gran ciudad de EE.UU., quinientas familias, cómodamente instaladas en sus automóviles, admiran una superproducción de lujo en cinemascope en una pantalla gigantesca instalada al aire libre. En Gottwaldor, ciudad industrial checoslovaca, 35 mil obreros de una importante fábrica de calzado presencian en un vasto anfiteatro una cinta sobre los métodos socialistas de producción. Mientras tanto, en algún lugar de África, entre chozas de paja, un misionero de blanca barba proyecta a 150 nativos una película de propaganda religiosa, y en Arabia, donde la ley prohíbe a los musulmanes ver películas, un niño de albornoz se cuela subrepticiamente en una sala de proyecciones reservada a los empleados norteamericanos de una compañía petrolera. Dondequiera que vaya, y ya ha llegado a todos los lugares del mundo, el cine se posesiona de las muchedumbres. En menos de cincuenta años el llamado "séptimo arte" se ha convertido en unos de los fenómenos de masas más sorprendentes del siglo XX, no sólo como vehículo de entretención, sino que con enormes e insospechadas implicancias informativas, sociales, políticas, morales, pedagógicas y económicas. Y, como toda obra humana, registra una trayectoria histórica en la que se alternan los períodos de auge y las crisis, en íntima relación con la marcha del mundo.
ORÍGENES REMOTOS
El cinematógrafo tiene una prehistoria cuyos orígenes algunos remontan sin vacilar, a las famosas cuevas de Altamira, en España, en cuyas paredes se han encontrado dibujos de bueyes que datan de la Edad de Piedra, en que se manifiesta claramente la intención de descomponer el movimiento.
Por otra parte, ya Tito Lucrecio Caro, poeta latino que vivió entre los años 96 y a.C. se refería en su obra "De rerum natura" a la persistencia de las imágenes en la retina, fenómeno que fue conocido también por Ptolomeo (138–180). Mucho más tarde, en pleno Renacimiento italiano, en los siglos XV y XVI, León Battista Alberto, Daniele Barbaro, Leonardo da Vinci y, sobre todo, Giambattista della Porta, se preocuparon de resolver en parte los problemas que planteaba la proyección de imágenes. Un siglo después, el alemán Athanasius Kircher (1601–1680) construyó la primera linterna mágica, en tanto que en 1660, un matemático danés, Thomas Walgestein, sustituyó la luz solar que requería ese aparato, reemplazándola por la artificial. Nació así la llamada "linterna terrorífica", uno de los antecedentes remotos del cine.
El cinematógrafo tiene una prehistoria cuyos orígenes algunos remontan sin vacilar, a las famosas cuevas de Altamira, en España, en cuyas paredes se han encontrado dibujos de bueyes que datan de la Edad de Piedra, en que se manifiesta claramente la intención de descomponer el movimiento.
Por otra parte, ya Tito Lucrecio Caro, poeta latino que vivió entre los años 96 y a.C. se refería en su obra "De rerum natura" a la persistencia de las imágenes en la retina, fenómeno que fue conocido también por Ptolomeo (138–180). Mucho más tarde, en pleno Renacimiento italiano, en los siglos XV y XVI, León Battista Alberto, Daniele Barbaro, Leonardo da Vinci y, sobre todo, Giambattista della Porta, se preocuparon de resolver en parte los problemas que planteaba la proyección de imágenes. Un siglo después, el alemán Athanasius Kircher (1601–1680) construyó la primera linterna mágica, en tanto que en 1660, un matemático danés, Thomas Walgestein, sustituyó la luz solar que requería ese aparato, reemplazándola por la artificial. Nació así la llamada "linterna terrorífica", uno de los antecedentes remotos del cine.
En lo foto aparece la representación del Fenoquistiscopio, artefacto que mediante una sucesión de imágenes lograba dar lo impresión de movimiento
Pero el nacimiento del cine propiamente tal estaba reservado al siglo XIX, centuria en que las investigaciones y experimentos relacionados con la reproducción del movimiento y la proyección de imágenes se multiplicaron en forma profusa. Una teoría enunciada en 1824, la "de la persistencia de la visión de los objetos que se mueven", de Peter Mark Poget, que no hizo otra cosa que confirmar las observaciones hechas por Lucrecio y Ptolomeo la friolera de dos mil años antes, tuvo, sin embargo, la virtud de interesar y entusiasmar a científicos e inventores de los más diversos países, quienes se dieron a la tarea de construir mecanismos capaces de reproducir artificialmente la realidad ante el ojo humano. Siguiendo este camino, el belga Antoine Plateau (1801–1883) inventó el fenaquistiscopio, un disco giratorio que reflejaba las imágenes en un espejo. Luego vino el estroboscopio del vienés Simon Ritter von Stampfer, artefacto muy parecido al de Plateau, aunque algo perfeccionado. En Inglaterra, en tanto, William George Horner inventaba la llamada "rueda del diablo", conocida también como zootropo, aparato de forma cilíndrica que al ser girado producía la ilusión de movimiento en las figuras dibujadas en su interior. Por último, en 1845, Franz von Uchatius, un militar austriaco con inclinaciones científicas, aprovechó hábilmente los descubrimientos de todos sus antecesores, desde Kircher hasta Horner, y lanzó su cinetoscopio, el cual requería para su funcionamiento ser iluminado con una lámpara de aceite o de carburo.
ENTRA EN ESCENA LA FOTOGRAFÍA
Pero los inventores de la primera mitad del siglo XIX que fabricaban primitivos aparejos para reproducir el movimiento y proyectar imágenes estaban atacando sólo una fase del problema que planteaba el cinematógrafo, ya que todos ellos trabajaban a base de dibujos, y el cine, aún no nato, estaría destinado a reproducir la realidad tal cual es, no trazada con la punta de un lápiz. Es por eso que la aparición de la fotografía fue un hecho capital que vino a señalar un nuevo punto de partida para la cinematografía. Ya a comienzos del siglo XIX había empezado a vislumbrarse la posibilidad de fijación de la imagen producida en una cámara obscura, con el ennegrecimiento de las sales de plata, fenómeno que erróneamente se atribuyó entonces a la acción del aire o del calor solar, hasta que se determinó que era la luz el agente que provocaba tal reacción. Posteriormente, Louis Daguerre y Joseph Nicephore Niepce, trabajando asociados entre 1830 y 1840, crearon la primera fotografía verdadera, la que se llamó daguerrotipo, y se obtuvo haciendo pasar vapores de yodo sobre una placa metálica de plata. Alrededor de 1841 aparecieron los primeros objetivos de dos y cuatro lentes, con los cuales el tiempo de exposición, en un principio de varios minutos se redujo a cinco segundos. Ese mismo año Fox–Talbot inventó el negativo, y en 1871 R. L. Maddox empezó a utilizar una composición de gelatina y bromuro, reduciendo ahora el tiempo de exposición a un centésimo de segundo. En 1877 el norteamericano George Eatsman usó como base para el negativo la película de celuloide, inventada por los hermanos Hyatt en 1864. Con este último adelanto ya todo estaba dispuesto para que la fotografía y la reproducción del movimiento se estrecharan la mano y, combinándose, dieran nacimiento al cine.
Pero los inventores de la primera mitad del siglo XIX que fabricaban primitivos aparejos para reproducir el movimiento y proyectar imágenes estaban atacando sólo una fase del problema que planteaba el cinematógrafo, ya que todos ellos trabajaban a base de dibujos, y el cine, aún no nato, estaría destinado a reproducir la realidad tal cual es, no trazada con la punta de un lápiz. Es por eso que la aparición de la fotografía fue un hecho capital que vino a señalar un nuevo punto de partida para la cinematografía. Ya a comienzos del siglo XIX había empezado a vislumbrarse la posibilidad de fijación de la imagen producida en una cámara obscura, con el ennegrecimiento de las sales de plata, fenómeno que erróneamente se atribuyó entonces a la acción del aire o del calor solar, hasta que se determinó que era la luz el agente que provocaba tal reacción. Posteriormente, Louis Daguerre y Joseph Nicephore Niepce, trabajando asociados entre 1830 y 1840, crearon la primera fotografía verdadera, la que se llamó daguerrotipo, y se obtuvo haciendo pasar vapores de yodo sobre una placa metálica de plata. Alrededor de 1841 aparecieron los primeros objetivos de dos y cuatro lentes, con los cuales el tiempo de exposición, en un principio de varios minutos se redujo a cinco segundos. Ese mismo año Fox–Talbot inventó el negativo, y en 1871 R. L. Maddox empezó a utilizar una composición de gelatina y bromuro, reduciendo ahora el tiempo de exposición a un centésimo de segundo. En 1877 el norteamericano George Eatsman usó como base para el negativo la película de celuloide, inventada por los hermanos Hyatt en 1864. Con este último adelanto ya todo estaba dispuesto para que la fotografía y la reproducción del movimiento se estrecharan la mano y, combinándose, dieran nacimiento al cine.
CREACIÓN DE IMÁGENES: En lo foto, Joseph Niepce y Louis Daguerre, los descubridores de la fotografía. El primero era el científico y su amigo, el artista.
LOS PRECURSORES
El primero en marcar un nuevo rumbo, que desembocaría en la cinematografía, fue el inglés Edward Muybridge, quien en 1872, mediante un aparato complicadísimo, que comprendía 24 lámparas fotográficas conectadas con otros tantos disparadores que las accionaban, trató de captar el movimiento de la carrera de un caballo, objetivo que consiguió con modesto éxito doce años más tarde.
Más afortunado fue el francés J. E. Marey, que en 1882 ideó el fusil fotográfico, el cual permitía tomar hasta doce imágenes sucesivas por segundo.
El primero en marcar un nuevo rumbo, que desembocaría en la cinematografía, fue el inglés Edward Muybridge, quien en 1872, mediante un aparato complicadísimo, que comprendía 24 lámparas fotográficas conectadas con otros tantos disparadores que las accionaban, trató de captar el movimiento de la carrera de un caballo, objetivo que consiguió con modesto éxito doce años más tarde.
Más afortunado fue el francés J. E. Marey, que en 1882 ideó el fusil fotográfico, el cual permitía tomar hasta doce imágenes sucesivas por segundo.
 IMÁGENES VIVIENTES: Con el bioscopio Skladanowsky logró proyectar las primeras figuras animadas. |
Un notable avance en la gestación del cine fue el praxinoscopio del francés Emile Reynaud, que hizo su aparición en 1877. Se trataba de una especie de zootropo mucho más perfeccionado y en el que las imágenes eran proyectadas. El instrumento de Reynaud tuvo un éxito bastante mayor que los de todos sus antecesores, lo que lo alentó a montar su "teatro óptico" en el Museo Grévin. En él presentó cintas a base de dibujos de gran valor artístico, como "Pobre Pierrot" y "Clown y sus Perros". También Reynaud pensó en sustituir los dibujos de su praxinoscopio por fotografías, propósito que alcanzó a llevar a cabo en su laboratorio, pero que dejó pronto de lado, pues amaba demasiado la belleza creativa del dibujo como para separarse de él.
NACIMIENTO DEL CINE
Tras el éxito del teatro óptico, todos los elementos estaban dados para que surgiera el cinematógrafo en su exacto y verdadero sentido. El invento no tardó en aparecer casi simultáneamente en varios países, todos los cuales se atribuyen en alguna medida la paternidad del revolucionario invento.
Para los norteamericanos, el creador del cine es Thomas Alva Edison, quien en 1891 patentó su kinetoscopio, cuyas proyecciones animadas eran vistas por el espectador a través de un ocular. Los alemanes, por su parte, adjudican la prioridad de la invención del cine al berlinés Max Skladanowsky, quien en 1892 construyó una cámara de filmación llamada "kulberkasten" y dos años más tarde, el bioscopio, un aparato de proyección.
Otros dos países reclaman el derecho de ser los inventores del cine: Inglaterra e Italia. Los ingleses reconocen como creadores del cinematógrafo a Robert Paul, que en 1890 ideó el animatógrafo, un aparato de proyección, y a William Friese Greene, quien en 1893 construyó una máquina capaz tanto de captar como de proyectar imágenes.
Tras el éxito del teatro óptico, todos los elementos estaban dados para que surgiera el cinematógrafo en su exacto y verdadero sentido. El invento no tardó en aparecer casi simultáneamente en varios países, todos los cuales se atribuyen en alguna medida la paternidad del revolucionario invento.
Para los norteamericanos, el creador del cine es Thomas Alva Edison, quien en 1891 patentó su kinetoscopio, cuyas proyecciones animadas eran vistas por el espectador a través de un ocular. Los alemanes, por su parte, adjudican la prioridad de la invención del cine al berlinés Max Skladanowsky, quien en 1892 construyó una cámara de filmación llamada "kulberkasten" y dos años más tarde, el bioscopio, un aparato de proyección.
Otros dos países reclaman el derecho de ser los inventores del cine: Inglaterra e Italia. Los ingleses reconocen como creadores del cinematógrafo a Robert Paul, que en 1890 ideó el animatógrafo, un aparato de proyección, y a William Friese Greene, quien en 1893 construyó una máquina capaz tanto de captar como de proyectar imágenes.
CUNA CINEMATOGRÁFICA: Reynaud montó en París, en el Museo Grevin, que aparece en la fotografía, el primer "teatro óptico", que tuvo un éxito sin precedentes.
En Italia, país en el que el cine ha cobrado extraordinario auge en estos últimos años, se ha comenzado a sostener que el verdadero inventor de este arte-industria fue Filoteo Alberini, quien alrededor de 1895 patentó el cinetógrafo, una cámara filmadora y proyectora.
Sin embargo, esta pugna carece de trascendencia, salvo como curiosidad histórica, ya que todos los nombres que se citan sólo pueden ser considerados como precursores.
Sin embargo, esta pugna carece de trascendencia, salvo como curiosidad histórica, ya que todos los nombres que se citan sólo pueden ser considerados como precursores.
PRIMEROS DOCUMENTALES. En la Exposición de París en 1900, el público observaba extrañado a los pioneros filmando las primeras cintas documentales
Los únicos y verdaderos inventores fueron los hermanos Louis y Auguste Lumière, primeros en construir un aparato que proyectaba las imágenes sobre una pantalla, o sea, en dar al cine la misma forma esencial que conserva hasta el día de hoy. El invento de los Lumière desplazó a todos los sistemas conocidos en la materia hasta ese momento, ya que era el único que permitía a un ilimitado número de espectadores presenciar simultáneamente las exhibiciones.
LA PRIMERA FUNCIÓN
Los Lumière llamaron a su invento "cinematógrafo', aunque esta denominación no fue original de ellos, pues n 1893 Leon Baouly patentó un aparato de este nombre, el que posteriormente fracasó. El 28 de diciembre de 1895, fecha esculpida en letras de oro en la historia del cines, los dos geniales hermanos ofrecieron le primera función cinematográfica del mundo para público en general, en París, en el Salón Indien du Grand Café, en el Boulevard des Capucins N.° 14 (meses antes los Lumière habían presentado su invento en la Sociedad de Apoyo a la Industrie Nacional de París ante un público seleccionado).
A la primera función en el Grand Café asistieron 35 escasos espectadores. El programa fue presentado bajo la denominación de "Temes actuales" incluyó diez temblorosas y nubladas películas filmadas por los Lumière de aproximadamente 17 metros cada una.
Los Lumière llamaron a su invento "cinematógrafo', aunque esta denominación no fue original de ellos, pues n 1893 Leon Baouly patentó un aparato de este nombre, el que posteriormente fracasó. El 28 de diciembre de 1895, fecha esculpida en letras de oro en la historia del cines, los dos geniales hermanos ofrecieron le primera función cinematográfica del mundo para público en general, en París, en el Salón Indien du Grand Café, en el Boulevard des Capucins N.° 14 (meses antes los Lumière habían presentado su invento en la Sociedad de Apoyo a la Industrie Nacional de París ante un público seleccionado).
A la primera función en el Grand Café asistieron 35 escasos espectadores. El programa fue presentado bajo la denominación de "Temes actuales" incluyó diez temblorosas y nubladas películas filmadas por los Lumière de aproximadamente 17 metros cada una.
LOS GRANDES INVENTORES. Louis y Auguste Lumière ofrecieron en 1895, la primera función de cinematografía en París, en los salones del Grand Café
Los nombres de esos diez filmes, los primeros que conoció el mundo, fueron los siguientes: "La Salida de los Obreros de la Fábrica Lumière", "El Desayuno del Bebé", "Los Fosos de las Tunerías", "Entrada de un Tren en la Estación", "El Regimiento", "Maréchal-Ferrant", "Partida de Naipes", "Destrucción de las Malezas", "La Demolición de un Muro" y "El Mar". Cada cinta duraba tres minutos y no mostraba nada más que los simples movimientos y escenas indicados por sus títulos. Su proyección se acompañaba con las notas de un piano desafinado. El éxito fue inmenso, pero los Lumière cometieron el grave error de creerlo efímero. Cuando Louis Lumière contrató a su primo Félix Mesguich como operador, le dijo textualmente estas poco estimulantes palabras: "Sabes que no te ofrecemos un puesto con porvenir. Es más bien un puesto de vagabundo que puede durar seis meses, un año, quizás más, quizás menos."
CINERAMA EN 1879
Mientras tanto, en los EE.UU., Edison, trabajando por su cuenta, había logrado también proyectar un film sobre una pantalla, realizando su primera exhibición pública el 23 de abril de 1896 en un music hall de Broadway.
Mientras tanto, en los EE.UU., Edison, trabajando por su cuenta, había logrado también proyectar un film sobre una pantalla, realizando su primera exhibición pública el 23 de abril de 1896 en un music hall de Broadway.
 PRECURSOR EN ALEMANIA. El berlinés Max Skladanowsky, creador del bioscopio. |
Un año más tarde, en la misma Francia que había visto nacer el invento de los Lumière, el genial Raoul Grimoin-Sanson patentaba el "cineorama", primer sistema de pantalla circular con los espectadores en el centro, obtenido con diez máquinas filmadoras sincronizadas, cuyas tomas se proyectaban mediante una máquina de igual número de objetivos. Con esto, Grimoin-Sanson se adelantó en más de medio siglo a lo que sería el sensacional cinerama. En 1900, en la Exposición de Paris, a los pies de la torre Eiffel, este ingenioso y visionario inventor proyectó un film en "cineorama", tomado durante una ascensión en aeróstato, que se convirtió en una de las mayores atracciones de esa inolvidable feria internacional que saludaba la llegada del nuevo siglo.
Otro hecho poco conocido de los primeros tiempos del cine, además de aquella especie de cinerama primitivo de Grímoin-Sanson, fue que se buscó con ahínco unir la imagen a la palabra, obteniéndose en algunos casos notables resultados para la época. Lo intentaron W. K. Laurie Irickson, Auguste Baron y Clemente Maurice, mediante el empleo de ingeniosos sistemas de sincronización con el fonógrafo de Edison. Pero para que se llegara al verdadero cine sonoro tuvieron que transcurrir cerca de cuarenta años, cuando recién al final de los años veinte pudieron vencerse las múltiples y complejas dificultades que involucraba el cine parlante.
Otro hecho poco conocido de los primeros tiempos del cine, además de aquella especie de cinerama primitivo de Grímoin-Sanson, fue que se buscó con ahínco unir la imagen a la palabra, obteniéndose en algunos casos notables resultados para la época. Lo intentaron W. K. Laurie Irickson, Auguste Baron y Clemente Maurice, mediante el empleo de ingeniosos sistemas de sincronización con el fonógrafo de Edison. Pero para que se llegara al verdadero cine sonoro tuvieron que transcurrir cerca de cuarenta años, cuando recién al final de los años veinte pudieron vencerse las múltiples y complejas dificultades que involucraba el cine parlante.
PIONERO AMERICANO: Tomás A. Edison inventó el kinetoscopio, el año 1891.
LOS PIONEROS GALOS
Si bien los Lumière inventaron el cinematógrafo y descubrieron al mismo tiempo su capacidad documental, el creador del espectáculo de cine en cuanto a producto de la fantasía fue otro francés: Georges Méliès. En 1897 Méliès construyó en Montreuil-sous-Bois, en los alrededores de París, un "teatro de filmación", uno de los primeros estudios en la historia del cine (Edison había levantado el suyo en 1893). De él nacieron nada menos que unas cinco mil películas, en un principio a razón de una por semana, que iban desde el documental hasta la que hoy llamamos ciencia-ficción. Algunas de estas cintas de Méliès se hicieron famosas y constituyen, transcurridos sesenta años, piedras angulares en las que se cimienta la historia de la cinematografía, como "Los Viajes de Gulliver" (1902), "El Viaje a la Luna" (1902) y "Las 400 Farsas del Diablo" (1906).
Si bien los Lumière inventaron el cinematógrafo y descubrieron al mismo tiempo su capacidad documental, el creador del espectáculo de cine en cuanto a producto de la fantasía fue otro francés: Georges Méliès. En 1897 Méliès construyó en Montreuil-sous-Bois, en los alrededores de París, un "teatro de filmación", uno de los primeros estudios en la historia del cine (Edison había levantado el suyo en 1893). De él nacieron nada menos que unas cinco mil películas, en un principio a razón de una por semana, que iban desde el documental hasta la que hoy llamamos ciencia-ficción. Algunas de estas cintas de Méliès se hicieron famosas y constituyen, transcurridos sesenta años, piedras angulares en las que se cimienta la historia de la cinematografía, como "Los Viajes de Gulliver" (1902), "El Viaje a la Luna" (1902) y "Las 400 Farsas del Diablo" (1906).
 GENIO CREADOR: Georges Méliès tuvo la audacia de creer en el porvenir del cine y de impulsarlo como medio de expresión artística y convertirlo en una verdadera industria. |
Para Méliès, hombre genial y culto, el cine no era una curiosidad de feria, y éste fue su mayor mérito, sino un medio que daba amplio campo a la creación de la fantasía y al empleo de un lenguaje y un estilo propios, susceptibles de perfeccionamiento. Siguiendo este predicamento, la Star-Film, productora fundada por él, empezó a rodar películas cada día más ricas en innovaciones. Entre los numerosos aportes que el cine debe a Méliès están los trucos de "sustitución" empleados en los filmes de magia, en los que un personaje desaparecía súbitamente, siendo reemplazado por otro, y la "sobre exposición", procedimiento conocido en fotografía desde que un aficionado distraído tomó dos vistas sobre una misma Placa y que él adaptó al cinematógrafo para representar fantasmas. Este artificio divulgado par Méliès vino a poner en descubierto a un grupo de individuos inescrupulosos que, gracias a la doble exposición, sostenían haber tomado fotografías de ánimas, las que vendían a buen precio. Incluso, un norteamericano fue condenado por haber vendido una Biblia ilustrada con retratos espiritistas de Moisés, Abraham y Jacob.
Otra contribución de Méliès al cine fue la introducción, aunque rudimentaria, del color. Hacia 1900 empezó a utilizar obreras parisienses, hábiles y mal pagadas, que coloreaban pacientemente con pincel los millares de imágenes que componían sus primeras películas de fantasía.
Con este procedimiento, Méliès supo obtener notables efectos artísticos.
Como si todo esto fuera poco, a Méliès corresponde también la prioridad en la introducción de diversos géneros cinematográficos, como los noticiarios, el drama histórico, el teatro filmado, la ficción científica, la novela de aventuras, el film cómico y la llamada "feerie" (comedia de magia).
Otra contribución de Méliès al cine fue la introducción, aunque rudimentaria, del color. Hacia 1900 empezó a utilizar obreras parisienses, hábiles y mal pagadas, que coloreaban pacientemente con pincel los millares de imágenes que componían sus primeras películas de fantasía.
Con este procedimiento, Méliès supo obtener notables efectos artísticos.
Como si todo esto fuera poco, a Méliès corresponde también la prioridad en la introducción de diversos géneros cinematográficos, como los noticiarios, el drama histórico, el teatro filmado, la ficción científica, la novela de aventuras, el film cómico y la llamada "feerie" (comedia de magia).
 DISCURSO: Un actor llamado Stuart representó a Bismarck para este film que integró el primer programa exhibido en Berlín, en 1895, con entrada pagada. |
Junto a Méliès destacaron otros dos pioneros del cine, también nacidos en Francia, que dieron muestras de gran talento creativo: Emite Courtet, más conocido como Cohl, y Ferdinand Zecca. Cohl, considerado el "padre del dibujo animado", merced a su film dibujado "Fantasmagorie" (1907), emigró a los EE.UU. en 1912, y trabajó dos años en los laboratorios de Fort Lee, dedicándose luego a las películas publicitarias. Fue uno de los maestros de Walt Disney, aunque su dibujo lineal y casi abstracto tenga muy poco que ver con los personajes salidos del lápiz del célebre dibujante norteamericano.
Ferdinand Zecca, director artístico y técnico de la compañía Pathé, fundada en 1896 fue el creador del cine como industria. Realizó un elevado número de películas de todo género, combinando equilibradamente el sentido artístico con el criterio comercial. Entre sus mejores filmes se cuentan "La Muerte de León XIII" (1903), "Quo Vadis?" (1901) y "El Sombrero Mágico" (1903).
Ferdinand Zecca, director artístico y técnico de la compañía Pathé, fundada en 1896 fue el creador del cine como industria. Realizó un elevado número de películas de todo género, combinando equilibradamente el sentido artístico con el criterio comercial. Entre sus mejores filmes se cuentan "La Muerte de León XIII" (1903), "Quo Vadis?" (1901) y "El Sombrero Mágico" (1903).
EL GRAN E. S. PORTER
Mientras en Francia los Lumière, Méliès y Zecca perfeccionaban el arte de las proyecciones animadas, al otro lado del océano, en EE.UU., el cine experimentaba un desarrollo aún más acelerado. A principio de siglo prosperaban ya en aquel país tres grandes firmas productoras: La Biograph, la Edison y la Vitagraph. Los filmes eran exhibidos en funciones continuas en unos locales llamados "nickelodeons", a 5 centavos la entrada, que se veían repletos de público de la mañana a la noche. La aparición y más tarde profusa multiplicación de estas pequeñas salas, junto a la tentativa de Edison de monopolizar el cinematógrafo a través de la compra de todas las patentes, constituyeron los dos hechos salientes que caracterizaron la época primitiva del cine norteamericano.
 HOMBRE MÚLTIPLE. Mack Sennet fue un genial actor, director y productor |
Otras importantes películas de Porte, fueron "La Cabaña del Tío Tom" (1903), "El ex Presidiario (1906) y "El Cleptómano" (1906). Cuando, en 1911, Porte, fundó su propia sociedad productora Rex, la edad primitiva del cine norteamericano tocaba a su fin, en gran parte debido a la eficaz y enjundiosa labor de este talentoso cineasta.
"PRIMITIVOS" DE OTROS PAÍSES
Otros nombres relevantes, tal vez menos conocidos que los anteriores, jalonan la esforzada historia de los primeros tiempos del cine.
Otros nombres relevantes, tal vez menos conocidos que los anteriores, jalonan la esforzada historia de los primeros tiempos del cine.
En Italia destacó nítidamente Arturo Ambrosio, autor de "Los Últimos Días de Pompeya" (1908), el primer coloso de la cinematografía italiana, de más de tres horas de duración.
En Inglaterra brilló con luces propias la llamada Escuela de Brighton, fundada por George Albert Smith y James Williamson la que produjo un gran número de películas impregnadas de realismo, problemática social e intenciones estéticas nuevas.
En Inglaterra brilló con luces propias la llamada Escuela de Brighton, fundada por George Albert Smith y James Williamson la que produjo un gran número de películas impregnadas de realismo, problemática social e intenciones estéticas nuevas.
LAS PRIMERAS JOYAS. "Intolerancia" de Griffith, filmada en 1916, constituye una de las primeras obras maestras de la cinematografía antigua
NACE EL TERROR. El año 1919 los alemanes produjeron "El Gabinete del Doctor Caligari", una obra clásica del género terrorífico.
En Alemania, Eduardo Oscar Messter se convirtió en pionero de la cinematografía germana al realizar en 1869 la primera exhibición pública en Berlín, y .al filmar luego varias películas documentales y de argumento, con una técnica bastante avanzada para esos años, como "El Regreso de las Tropas en el Desfile de Primavera" y "Beso en el Baile de Disfraz", un film erótico, en el que sobresale un largo y célebre primer plano.
Hubo también otros países que tuvieron un cine primitivo de cierto valor. En Dinamarca, Ole Olsen, acróbata y empresario, empezó a producir documentales y películas de argumento desde 1903.
Hubo también otros países que tuvieron un cine primitivo de cierto valor. En Dinamarca, Ole Olsen, acróbata y empresario, empezó a producir documentales y películas de argumento desde 1903.
PRIMERAS TÉCNICAS. Con la película "El Nacimiento de una Nación" de Griffith, se inició la búsqueda de nuevos efectos de primer plano en el año 1915
En Checoslovaquia, ya en 1898, con motivo de la Exposición de Arquitectura e Ingeniería, en Praga, tuvo lugar la primera exhibición de tres cintas checas de corta duración que han pasado a la historia por su originalidad: "Cita en el Molino", "El Vendedor de Salchichas" y "Las Pegadores de Carteles". Por su parte, Japón empezó a producir películas desde 1898, siendo la más antigua que se recuerda "Escena del Arresto del Ladrón de Relámpagos" (1899), del director Shira Asuro, tomada de una comedia del mismo nombre. Una de las últimas grandes naciones en incorporarse a la producción cinematográfica fue Rusia, país en que los primeros film, no aparecieron no antes de 1907.
LOS AÑOS HEROICOS
Francia, verdadera madre de la cinematografía mundial, estuvo a la cabeza del delicado momento histórico de la década del diez.
Esta fase del cine francés coincidió con una etapa de gran desarrollo industrial y técnico: el 80% de la producción fílmica mundial de aquellos años llevaba la firma francesa. Dos poderosas sociedades, Gaumont y Pathé, dominaban holgadamente los mercados de películas, sobre todo en Inglaterra, Alemania, Rusia y EE.UU. Sólo hacia 1918 estos poderosos monopolios perdieron sus posiciones internacionales, aunque mantuvieron sus principales fuerzas en Francia hasta 1930.
Francia, verdadera madre de la cinematografía mundial, estuvo a la cabeza del delicado momento histórico de la década del diez.
Esta fase del cine francés coincidió con una etapa de gran desarrollo industrial y técnico: el 80% de la producción fílmica mundial de aquellos años llevaba la firma francesa. Dos poderosas sociedades, Gaumont y Pathé, dominaban holgadamente los mercados de películas, sobre todo en Inglaterra, Alemania, Rusia y EE.UU. Sólo hacia 1918 estos poderosos monopolios perdieron sus posiciones internacionales, aunque mantuvieron sus principales fuerzas en Francia hasta 1930.
EL CINE ACCIÓN. Feuillade comenzó en Francia en 1911, la producción de series de "Fantomas", inspiradoras de las posteriores películas de gánsteres
Los tiempos heroicos del cine francés produjeron magníficas cintas. En 1908 Le Bangy y Calmettes inauguraron con "El Asesinato del Duque de Guisa" el llamado "film de arte”. Tres años más tarde Louis Feuillade creó un nuevo tipo de películas realistas al iniciar la célebre serie "La Vida tal cual es". El mismo Feuillade realizó luego la serie de "Fantomas", lejana inspiradora del film de "gánsteres". Otro director francés importante de esta época fue Albert Capellani, quien llevó a la pantalla "Nuestra Señora de Paris" (1911) y "Los Miserables" (1912), las dos obras más famosas de Víctor Hugo, que tuvieron el mérito de volver verdaderamente popular al cinematógrafo.
 GRIFFITH. Figura señera en el cine. |  MAX LINDER. Primer intérprete cómico. |
En Italia el período coincidió con la aparición de los primeros libros técnicos de cine y de las revistas cinematográficas especializadas, y se caracterizó por la producción de películas monumentales, como "La Caída de Troya" (1910), de Giovanni Pastrone, y "Quo Vadis?" (1912) y "Marco Antonio y Cleopatra" (1913), de Enrico Guazzoni. Mayor celebridad, sin embargo, alcanzó "Cabiria" (1914), también de Pastrone, cuya escenografía y diálogos se debieron al gran escritor y poeta Gabriel D'Annunzio.
Los años diez en Alemania trajeron la diversificación de ha películas en géneros verdaderamente delimitados, produciéndose filmes de todos los tipos, como policiales, eróticos, sentimentales y bélicos. La cinta que provocó mayor impacto fue "El Gabinete del Doctor Caligari" (1919), de Robert Wiene, una historia terrorífica que identificaba la autoridad con la demencia y la criminalidad. Quince años más tarde, con el advenimiento de Hitler, el mundo entero y, sobre todo Alemania, pudo
constatar con amargura cuán profético fue este film de Wiene.
Otro hecho importante en la historia del cine germano de aquellos tiempos fue el nacimiento de la U.F.A., fundada en el curso de la Primera Guerra Mundial, por voluntad de les mariscales Hindenburg y Ludendorff, que tuvo por objeto unificar todas las fuerzas productoras cinematográficas alemanas. Bajo esta sigla se apoyó activamente a Hitler en su conquista del poder. La U.F.A. alcanzó su mayor auge durante la dictadura nazi, en la cual se constituyó en un gigantesco monopolio. Disuelta por los aliados en 1945, fue en parte reconstruida en 1954 por el gobierno de Bonn.
Los años diez en Alemania trajeron la diversificación de ha películas en géneros verdaderamente delimitados, produciéndose filmes de todos los tipos, como policiales, eróticos, sentimentales y bélicos. La cinta que provocó mayor impacto fue "El Gabinete del Doctor Caligari" (1919), de Robert Wiene, una historia terrorífica que identificaba la autoridad con la demencia y la criminalidad. Quince años más tarde, con el advenimiento de Hitler, el mundo entero y, sobre todo Alemania, pudo
constatar con amargura cuán profético fue este film de Wiene.Otro hecho importante en la historia del cine germano de aquellos tiempos fue el nacimiento de la U.F.A., fundada en el curso de la Primera Guerra Mundial, por voluntad de les mariscales Hindenburg y Ludendorff, que tuvo por objeto unificar todas las fuerzas productoras cinematográficas alemanas. Bajo esta sigla se apoyó activamente a Hitler en su conquista del poder. La U.F.A. alcanzó su mayor auge durante la dictadura nazi, en la cual se constituyó en un gigantesco monopolio. Disuelta por los aliados en 1945, fue en parte reconstruida en 1954 por el gobierno de Bonn.
GRIFFITH Y MACK SENNET
Los años heroicos vieron consolidarse definitivamente el cine en los EE.UU. El más grande director norteamericano de este período, y a la vez uno de los más célebres de todos los tiempos, fue David Wark Griffith, quien, mediante el uso funcional del "primer plano" y la búsqueda de nuevos efectos de montaje e iluminación, demostró que sabía renovar la técnica fílmica. Sus experiencias, perfeccionadas a través de varias películas, lo llevaron a la producción de dos obras maestras, verdaderas joyas de la cinematografía antigua: "El Nacimiento de una Nación" (1915) e "Intolerancia" (1916).
Otra de las figuras estelares del cine norteamericano de aquellos años fue Mack Sennet, quien aplicó los mismos principios de Griffith a la comedia, e hizo surgir en el país del norte el género cómico, en gran parte inspirado en el estilo de Max Lindar, amo y señor del film bufo francés anterior a 1914, Además, Sennet fue un gran descubridor de talentos, ya que entre sus actores surgieron nombres como los de Charles Chaplin, Ben Turpin, Buster Keaton, Bing Crosby y otros, que al correr del tiempo llevarían la comedia cómica en EE.UU. a alturas que jamás alcanzaron las películas dramáticas. El solo hecho de haber lanzado a la fama a Chaplin el genio máximo de la cinematografía, bastó para que el nombre de Sennet no cayera en el olvido.
Los años heroicos vieron consolidarse definitivamente el cine en los EE.UU. El más grande director norteamericano de este período, y a la vez uno de los más célebres de todos los tiempos, fue David Wark Griffith, quien, mediante el uso funcional del "primer plano" y la búsqueda de nuevos efectos de montaje e iluminación, demostró que sabía renovar la técnica fílmica. Sus experiencias, perfeccionadas a través de varias películas, lo llevaron a la producción de dos obras maestras, verdaderas joyas de la cinematografía antigua: "El Nacimiento de una Nación" (1915) e "Intolerancia" (1916).
Otra de las figuras estelares del cine norteamericano de aquellos años fue Mack Sennet, quien aplicó los mismos principios de Griffith a la comedia, e hizo surgir en el país del norte el género cómico, en gran parte inspirado en el estilo de Max Lindar, amo y señor del film bufo francés anterior a 1914, Además, Sennet fue un gran descubridor de talentos, ya que entre sus actores surgieron nombres como los de Charles Chaplin, Ben Turpin, Buster Keaton, Bing Crosby y otros, que al correr del tiempo llevarían la comedia cómica en EE.UU. a alturas que jamás alcanzaron las películas dramáticas. El solo hecho de haber lanzado a la fama a Chaplin el genio máximo de la cinematografía, bastó para que el nombre de Sennet no cayera en el olvido.
EL "DIVISMO"
Una característica sobresaliente de la época heroica del cine fue el nacimiento del "culto de las estrellas" o "divismo". El fenómeno nació espontáneamente. Hasta 1910 los artistas afamados guardaron al anonimato, pues se hubieran considerado deshornados de figurar como protagonistas de aquel "espectáculo de feria". Cuando las primeras cartas de admiradores empezaron a llegar a los estudios, le respuesta de los productores fue escamotearlas, temiendo que sus actores las utilizaran para pedir aumento de remuneraciones. Pero al cabo de poco tiempo las compañías cinematográficas cambiaron de actitud, comprendiendo que esta idolatría podía beneficiarles. Así, se decidieron a lanzar a las estrellas de cine con todos los recursos de la publicidad, como si se tratara de un nuevo dentífrico. Hollywood, ciudad de los milagros, se construyó sobre el "star system" (sistema de las estrellas). Con la ayuda publicitaria de una legión de periodistas especializados, agentes de prensa y propagandistas de todo tipo, la idolatría popular hacia los actores fue rápidamente "in crescendo" y se esparció por todo el mundo. Cuando en 1913 el cómico Max Lindar visitó San Petersburgo, la multitud desenganchó los caballos de su cache y, unciéndose a él, lo transportó en triunfo. Hacia 1920 Mary Pickford no podía aparecer en una calle de Nueva York, Londres o París sin desatar un verdadero revuelo.
Como consecuencia del "star system", los actores, otrora considerados con cierto menosprecio por las compañías productoras, pasaron a ser tratados como verdaderos personajes. Así, se hizo habitual que cuando era contratada una nueva estrella, el presidente de la empresa en persona firmara los contratos con ella. La ceremonia era majestuosa e imponente, no pocas veces resultaba coronada con un chasco de proporciones. En una oportunidad William Fox, jefe supremo de la compañía que llevaba su nombre, decidió contratar a Mantell, actor dramático de mucho prestigio por aquella época. Las negociaciones se llevaron a cabo por conducto de un agente y cuando llegó el momento de firmar la escritura todo estaba preparado para la ceremonia de ritual: Fox, solo majestuoso, ante una enorme mesa destinada a las juntas directivas de la empresa, y una gran puerta al fondo, aguardando la aparición del actor. Un ujier abrió la puerta de marras y dio entrada al veterano Mantell, que, jovial y lleno de vida, se dirigió con impresionantes zancadas hacia la mesa.
Una característica sobresaliente de la época heroica del cine fue el nacimiento del "culto de las estrellas" o "divismo". El fenómeno nació espontáneamente. Hasta 1910 los artistas afamados guardaron al anonimato, pues se hubieran considerado deshornados de figurar como protagonistas de aquel "espectáculo de feria". Cuando las primeras cartas de admiradores empezaron a llegar a los estudios, le respuesta de los productores fue escamotearlas, temiendo que sus actores las utilizaran para pedir aumento de remuneraciones. Pero al cabo de poco tiempo las compañías cinematográficas cambiaron de actitud, comprendiendo que esta idolatría podía beneficiarles. Así, se decidieron a lanzar a las estrellas de cine con todos los recursos de la publicidad, como si se tratara de un nuevo dentífrico. Hollywood, ciudad de los milagros, se construyó sobre el "star system" (sistema de las estrellas). Con la ayuda publicitaria de una legión de periodistas especializados, agentes de prensa y propagandistas de todo tipo, la idolatría popular hacia los actores fue rápidamente "in crescendo" y se esparció por todo el mundo. Cuando en 1913 el cómico Max Lindar visitó San Petersburgo, la multitud desenganchó los caballos de su cache y, unciéndose a él, lo transportó en triunfo. Hacia 1920 Mary Pickford no podía aparecer en una calle de Nueva York, Londres o París sin desatar un verdadero revuelo.
Como consecuencia del "star system", los actores, otrora considerados con cierto menosprecio por las compañías productoras, pasaron a ser tratados como verdaderos personajes. Así, se hizo habitual que cuando era contratada una nueva estrella, el presidente de la empresa en persona firmara los contratos con ella. La ceremonia era majestuosa e imponente, no pocas veces resultaba coronada con un chasco de proporciones. En una oportunidad William Fox, jefe supremo de la compañía que llevaba su nombre, decidió contratar a Mantell, actor dramático de mucho prestigio por aquella época. Las negociaciones se llevaron a cabo por conducto de un agente y cuando llegó el momento de firmar la escritura todo estaba preparado para la ceremonia de ritual: Fox, solo majestuoso, ante una enorme mesa destinada a las juntas directivas de la empresa, y una gran puerta al fondo, aguardando la aparición del actor. Un ujier abrió la puerta de marras y dio entrada al veterano Mantell, que, jovial y lleno de vida, se dirigió con impresionantes zancadas hacia la mesa.
HÉROES DEL PASADO. Douglas Fairbanks fue el ídolo de la edad de oro de la primera época. Encontró al hombre bueno y generoso, invencible en sus mil aventuras. En la foto una escena de la "Fierecilla Domada"
Después de firmar con gesto decidido y guardarse en el bolsillo el contrato, levantó el rostro con intención de despedirse. Ante la sorpresa de Fox, balbuceó débilmente algunas palabras y luego hizo varias muecas de dolor, antes de retirarse casi arrastrándose de la sala.
OBRA MAESTRA. "El Acorazado de Potemkin", una de cuyas patéticas escenas aparece en la fotografía, fue filmada por Eisenstein, en 1925. Es una obra clásica del cine.
Mantell estaba completamente cojo, víctima de un ataque de artritismo, pero no lo sabía más que su agente que había tenido el buen cuidado de no mencionar este importante detalle. Pero el contrato estaba firmado y ya no había manera de rescindirlo. El resultado de este fraude fue que en las siete películas que Mantell hizo para la Fox, siempre se caía de alguna escalera o resultaba herido en un duelo, o le pasaba algo por el estilo en las primeras escenas. De ahí en adelante el hombre representaba su papel apoyado en un bastón o bien sentado cómodamente.
LA "EDAD DE ORO"
El panorama del cine que va desde el año veinte hasta los años inmediatamente posteriores a la. Segunda Guerra Mundial es en extremo variado.
El panorama del cine que va desde el año veinte hasta los años inmediatamente posteriores a la. Segunda Guerra Mundial es en extremo variado.
ESTRELLA DE ANTAÑO. Theda Bara (aparece en "Madame Du Barry") encarnó al tipo de vampiresa y mujer fatal, cuya presencia en la pantalla conmovía a millones de espectadores en los primeros años de la actividad cinematográfica
Los gustos más disímiles del público se vieron cubiertos por una producción altamente industrializada, pero en la que nunca el arte estuvo del todo ausente.
Dos hechos capitales vinieron a alterar substancialmente la marcha del cine durante esta verdadera edad de oro. Primero Francia perdió su hegemonía en la producción mundial de películas, siendo desplazada por EE.UU., país que transformó el arte fílmico en una industria de colosales proporciones, Hollywood dominó sin contrapeso los mercados internacionales, consolidándose como el mayor centro cinematográfico del mundo y atrayendo como un imán a los mejores directores y actores del globo, que fueron contratados con honorarios fabulosos.
Y en la misma "Meca del cine" surgió durante este período áureo el "sonoro", el acontecimiento más trascendental ocurrido en el cinematógrafo desde su invención. Su aparición marcó el fin de una etapa y el comienzo de otra técnicamente mucho más perfecta y que vinculó más aún el cine con la realidad.
Dos hechos capitales vinieron a alterar substancialmente la marcha del cine durante esta verdadera edad de oro. Primero Francia perdió su hegemonía en la producción mundial de películas, siendo desplazada por EE.UU., país que transformó el arte fílmico en una industria de colosales proporciones, Hollywood dominó sin contrapeso los mercados internacionales, consolidándose como el mayor centro cinematográfico del mundo y atrayendo como un imán a los mejores directores y actores del globo, que fueron contratados con honorarios fabulosos.
Y en la misma "Meca del cine" surgió durante este período áureo el "sonoro", el acontecimiento más trascendental ocurrido en el cinematógrafo desde su invención. Su aparición marcó el fin de una etapa y el comienzo de otra técnicamente mucho más perfecta y que vinculó más aún el cine con la realidad.
ASTROS PARLANTES: John Barrimore y Mary Astar, figuras deslumbrantes de su época abrieron en “Don Juan”, el prodigio del cine sonoro, el año 1926. El éxito del nuevo sistema dio un insospechado auge a la cinematografía
Uno de los ídolos de los primeros años de la edad de oro del cine en los EE.UU. fue Douglas Fairbanks, que encarnó al héroe generoso, bueno e inmutable, ideal del norteamericano medio de su tiempo.
FUGAZ TRAYECTORIA: John Gilbert, galán al que perdió su voz alta y atiplada.
La de mayor calidad fue "Secretos" (1933), en que formó pareja con Leslie Howard. La Pickford fue capaz de hacer creer al público en la pureza de los personajes que encarnaba en la pantalla, desplazando por algún tiempo a las vampiresas y mujeres fatales al estilo de Theda Bara, cuyo reinado acabó hacia 1920, al imponerse la preferencia de los espectadores hacia las chicas buenas, que por lo demás no duraría mucho.
EL CINE SONORO
Hacia fines de la década del veinte el cine sonoro hizo su triunfal aparición, imponiéndose definitivamente. Como hemos visto, desde los primeros balbuceos del cinematógrafo se había buscado sonorizar las películas, obteniéndose ya a principios de siglo resultados notables. El desinterés de los productores, sin embargo, había hecho que los experimentos en sonido no siguieran adelante. Fue menester una crisis en el cine a mediados de dicha década -la primera que afrontó Hollywood- para que las compañías fílmicas se preocuparan seriamente de perfeccionar los efectos sonoros con el propósito de ofrecer una novedad capaz de atraer al público, que había empezado a darles las espaldas a las pantallas. Una de las primeras exhibiciones del "sonoro" fue el film "Don Juan", con John Barrymore, que se presentó en agosto de 1926 y que incluía una breve escena con sonido sincronizado, mediante el procedimiento Warner. Esta técnica utilizaba aun discos fonográficos. El éxito fue clamoroso, lo que alentó a todos los grandes productores de Hollywood a sonorizar sus films y a mejorar el sistema. El 6 de octubre de 1927, la misma Warner presentó la primera película de argumento hablada: "El Cantor de Jazz", con el entonces popularísimo Al Jolson. Hacia 1930 el disco fonográfico fue sustituido por el "sonido óptico", en que los efectos sonoros se registraban en una película sensible especial y luego eran trasladados a una columna situada entre las imágenes y las perforaciones del film, constituyendo la "pista sonora". Es decir, imagen y sonido dejaron de ser dos elementos
La aparición del sonido ocasionó la ruina de muchas grandes estrellas de la época muda. Por ejemplo, John Gilbert, que formaba en aquellos años una pareja ideal con Greta Garbo, hubo de abandonar la escena y terminó por morir en la miseria, porque el micrófono hacía desagradable y grotesca su voz. Por lo demás, los primeros filmes sonoros fueron de una técnica tan primitiva que la reproducción de matices e intensidades era sencillamente desastrosa: llenar un vaso de agua producía un estruendo comparable al de las cataratas del Niágara.
Pero así como el cine sonoro fue la sentencia de muerte para muchos actores, para otros representó el comienzo de una carrera de éxitos, como en el caso de Clark Gable, poseedor de una voz que estaba muy a tono con su varonil personalidad. Hacia 1932 la popularidad del celebrado protagonista de "Lo que el Viento se Llevó" alcanzaba ya a límites increíbles, hasta el punto de ejercer sobre el público una influencia más allá de todo lo imaginable. Uno de los grandes éxitos de Hollywood de aquel año fue "Sucedió una Noche", excelente comedia de Frank Capra, interpretada por Clark Gable. En un momento de la acción éste se quitaba la camisa, dejando al descubierto que no llevaba camiseta. Ante la sorpresa de los productores, algunos meses después del estreno del film una delegación de fabricantes de ropa viajó especialmente a la ciudad del cine a presentar formal protesta: la venta de camisetas masculinas había bajado en un 25% en los EE.UU. ahora que se sabía que Clark Gable no las usaba.
Hacia fines de la década del veinte el cine sonoro hizo su triunfal aparición, imponiéndose definitivamente. Como hemos visto, desde los primeros balbuceos del cinematógrafo se había buscado sonorizar las películas, obteniéndose ya a principios de siglo resultados notables. El desinterés de los productores, sin embargo, había hecho que los experimentos en sonido no siguieran adelante. Fue menester una crisis en el cine a mediados de dicha década -la primera que afrontó Hollywood- para que las compañías fílmicas se preocuparan seriamente de perfeccionar los efectos sonoros con el propósito de ofrecer una novedad capaz de atraer al público, que había empezado a darles las espaldas a las pantallas. Una de las primeras exhibiciones del "sonoro" fue el film "Don Juan", con John Barrymore, que se presentó en agosto de 1926 y que incluía una breve escena con sonido sincronizado, mediante el procedimiento Warner. Esta técnica utilizaba aun discos fonográficos. El éxito fue clamoroso, lo que alentó a todos los grandes productores de Hollywood a sonorizar sus films y a mejorar el sistema. El 6 de octubre de 1927, la misma Warner presentó la primera película de argumento hablada: "El Cantor de Jazz", con el entonces popularísimo Al Jolson. Hacia 1930 el disco fonográfico fue sustituido por el "sonido óptico", en que los efectos sonoros se registraban en una película sensible especial y luego eran trasladados a una columna situada entre las imágenes y las perforaciones del film, constituyendo la "pista sonora". Es decir, imagen y sonido dejaron de ser dos elementos
La aparición del sonido ocasionó la ruina de muchas grandes estrellas de la época muda. Por ejemplo, John Gilbert, que formaba en aquellos años una pareja ideal con Greta Garbo, hubo de abandonar la escena y terminó por morir en la miseria, porque el micrófono hacía desagradable y grotesca su voz. Por lo demás, los primeros filmes sonoros fueron de una técnica tan primitiva que la reproducción de matices e intensidades era sencillamente desastrosa: llenar un vaso de agua producía un estruendo comparable al de las cataratas del Niágara.
Pero así como el cine sonoro fue la sentencia de muerte para muchos actores, para otros representó el comienzo de una carrera de éxitos, como en el caso de Clark Gable, poseedor de una voz que estaba muy a tono con su varonil personalidad. Hacia 1932 la popularidad del celebrado protagonista de "Lo que el Viento se Llevó" alcanzaba ya a límites increíbles, hasta el punto de ejercer sobre el público una influencia más allá de todo lo imaginable. Uno de los grandes éxitos de Hollywood de aquel año fue "Sucedió una Noche", excelente comedia de Frank Capra, interpretada por Clark Gable. En un momento de la acción éste se quitaba la camisa, dejando al descubierto que no llevaba camiseta. Ante la sorpresa de los productores, algunos meses después del estreno del film una delegación de fabricantes de ropa viajó especialmente a la ciudad del cine a presentar formal protesta: la venta de camisetas masculinas había bajado en un 25% en los EE.UU. ahora que se sabía que Clark Gable no las usaba.
EL GRAN CINE RUSO
El auge del cine norteamericano durante el cuarto de siglo que medió entre el año veinte y la Segunda Guerra Mundial provocó un estancamiento en el desarrollo de la cinematografía europea, la que perdió posiciones en los mercados internacionales hasta quedar reducida a su más mínima expresión.
El auge del cine norteamericano durante el cuarto de siglo que medió entre el año veinte y la Segunda Guerra Mundial provocó un estancamiento en el desarrollo de la cinematografía europea, la que perdió posiciones en los mercados internacionales hasta quedar reducida a su más mínima expresión.
REALIZADOR: Sergei Eisenstein (“El Acorazado de Potemkin”) es reconocido como creador de un nuevo cine, pleno de vitalidad artística.
Un 90% de las películas que se exhibían en las pantallas del Viejo Mundo por aquellos años eran producidas por Hollywood. Tanto Francia, Italia corno Inglaterra, otrora potencias cinematográficas, vieron decaer sus respectivas industrias fílmicas, hasta el punto de creerse que marchaban a una segura desaparición.
La única excepción dentro del negro panorama que presentaba el cine europeo de aquella época la constituyó la URSS. Mientras en Europa Occidental el arte fílmico languidecía, en Rusia nacía un cine enjundioso y de gran calidad artística. El inicio del verdadero cine ruso coincidió con el afianzamiento de la Revolución de Octubre. Fiel al pensamiento de Lenin, que había expresado: "De todas las artes, el cine es para nosotros la más importante", el Gobierno bolchevique se dio a la tarea de promover por todos los medios a su alcance el desarrollo del "séptimo arte". Así, en 1922 fue fundada la empresa cinematográfica estatal Groskino, sustituida dos años más tarde por la Sovkino. Al cabo de poco tiempo, una pléyade de directores y actores llevaba al cine soviético a alturas insospechadas. Entre estos grandes cineastas sobresalió nítidamente Sergei Michailovich Eisenstein, considerado unánimemente uno de los genios de la cinematografía mundial, cuyo "Acorazado Potemkin" (1925) pasó a ser uno de los clásicos del cine. Otros nombres ilustres de la cinematografía soviética fueron Lev V. Kulesciov, cuyo mejor film fue "A la Sombra de la Horca" (1926), y Vsevolod Pudovkin, la segunda personalidad del cine ruso después de Eisenstein, con logros tan notables como "La Madre" (1925), basado en la novela homónima de Máximo Gorki. En épocas más recientes han destacado en la URSS directores como V. Belaieff, "El Sitio de Sebastopol" (1944); G. Alexandrov, "Encuentro en el Elba" (1949); Grigori Kosintzev, "Don Quijote" (1957); y Mikhail Kalatazov, "Vuelan las Cigüeñas" (1958).
La única excepción dentro del negro panorama que presentaba el cine europeo de aquella época la constituyó la URSS. Mientras en Europa Occidental el arte fílmico languidecía, en Rusia nacía un cine enjundioso y de gran calidad artística. El inicio del verdadero cine ruso coincidió con el afianzamiento de la Revolución de Octubre. Fiel al pensamiento de Lenin, que había expresado: "De todas las artes, el cine es para nosotros la más importante", el Gobierno bolchevique se dio a la tarea de promover por todos los medios a su alcance el desarrollo del "séptimo arte". Así, en 1922 fue fundada la empresa cinematográfica estatal Groskino, sustituida dos años más tarde por la Sovkino. Al cabo de poco tiempo, una pléyade de directores y actores llevaba al cine soviético a alturas insospechadas. Entre estos grandes cineastas sobresalió nítidamente Sergei Michailovich Eisenstein, considerado unánimemente uno de los genios de la cinematografía mundial, cuyo "Acorazado Potemkin" (1925) pasó a ser uno de los clásicos del cine. Otros nombres ilustres de la cinematografía soviética fueron Lev V. Kulesciov, cuyo mejor film fue "A la Sombra de la Horca" (1926), y Vsevolod Pudovkin, la segunda personalidad del cine ruso después de Eisenstein, con logros tan notables como "La Madre" (1925), basado en la novela homónima de Máximo Gorki. En épocas más recientes han destacado en la URSS directores como V. Belaieff, "El Sitio de Sebastopol" (1944); G. Alexandrov, "Encuentro en el Elba" (1949); Grigori Kosintzev, "Don Quijote" (1957); y Mikhail Kalatazov, "Vuelan las Cigüeñas" (1958).
DECADENCIA DE HOLLYWOOD
Después de 30 años de hegemonía mundial, el cine norteamericano entró en crisis hacia 1950, en parte por obra de la guerra fría que le hicieron otras naciones, en gran medida por la competencia de la TV y también por la implantación de leyes antitrust, que disolvieron las uniones entre productores y exhibidores. Hollywood inició así una lenta pero definida parábola descendente, si bien algunos chispazos lo iluminaron de vez en cuando. Una muestra de ello es que hacia 1955 EE.UU. ocupaba sólo el tercer lugar mundial en cuanto a número de películas producidas (contra 241 de la India y 420 del Japón) Nuevos países pasaron a ser centros de la producción cinematográfica mundial, no tanto en cantidad, sino que en calidad. En Europa Occidental, especialmente
Italia, el cine renació de sus cenizas y entró en una etapa de desarrollo nunca antes vista. Asimismo, en algunos países socialistas y en el Oriente irrumpió una cinematografía pujante y novedosa.
A comienzos de 1953 la crisis del cine norteamericano estaba en momento más difícil. En seis años (1947-53) la población había aumentado en 15 millones y, en cambio, la asistencia a los cines había disminuido exactamente a la mitad. Así como en la década del veinte Hollywood había respondido a la depresión con el cine sonoro, esta vez los productores llegaron también a la conclusión de que la única salida para industria cinematográfica norteamericana era la adopción de nuevas técnicas espectaculares.
Después de 30 años de hegemonía mundial, el cine norteamericano entró en crisis hacia 1950, en parte por obra de la guerra fría que le hicieron otras naciones, en gran medida por la competencia de la TV y también por la implantación de leyes antitrust, que disolvieron las uniones entre productores y exhibidores. Hollywood inició así una lenta pero definida parábola descendente, si bien algunos chispazos lo iluminaron de vez en cuando. Una muestra de ello es que hacia 1955 EE.UU. ocupaba sólo el tercer lugar mundial en cuanto a número de películas producidas (contra 241 de la India y 420 del Japón) Nuevos países pasaron a ser centros de la producción cinematográfica mundial, no tanto en cantidad, sino que en calidad. En Europa Occidental, especialmente
Italia, el cine renació de sus cenizas y entró en una etapa de desarrollo nunca antes vista. Asimismo, en algunos países socialistas y en el Oriente irrumpió una cinematografía pujante y novedosa.
A comienzos de 1953 la crisis del cine norteamericano estaba en momento más difícil. En seis años (1947-53) la población había aumentado en 15 millones y, en cambio, la asistencia a los cines había disminuido exactamente a la mitad. Así como en la década del veinte Hollywood había respondido a la depresión con el cine sonoro, esta vez los productores llegaron también a la conclusión de que la única salida para industria cinematográfica norteamericana era la adopción de nuevas técnicas espectaculares.
NUEVAS TÉCNICAS: Michael Todd creó el sistema “Todd. A-O”, buscando la visión panorámica en la pantalla
Siguiendo este predicamento, la Fox lanzó ese año el cinemascope, inventado por el francés Heri Chrétien, que se constituyó de inmediato en un éxito de proporciones. El primer film en cinemascope fue el “Manto Sagrado” (1953), un colosal espectáculo bíblico que, aunque de discreto valor artístico, tuvo la eficacia de imponer de una sola vez este nuevo procedimiento, en que los espectadores veían acentuado el efecto panorámico en una gran pantalla cóncava. El impacto del cinemascope fue mayor gracias al sonido estereofónico con que fue acompañado, el cual daba la ilusión de relieve sonoro. Hacia 1965, más de 32 mil salas de todo el mundo estaban equipadas con cinemascope y sonido estereoscópico.
PANTALLA MÁGICA: Mediante tres proyectores, el cinerama brinda al espectador la sensación de encontrarse en medio de la escena filmada. El costo es demasiado alto
Otra de las nuevas maravillas lanzadas por Hollywood en la década del 50 fue el cinerama, sistema que emplea tres películas, tres proyectores y tres pantallas, y que provoca en la retina del espectador efectos sorprendentes, hasta el punto de hacerlo sentirse en medio de la escena. Pero este adelanto, aparecido en 1952 fundamentalmente basado en el "cineorama" de 1897, no logró generalizarse, debido a que resultó demasiado oneroso, ya que su funcionamiento supone además de una instalación técnica costosa, la total remodelación del interior de las salas. El cinerama ha permanecido hasta el momento como un espectáculo sensacional, de exhibición de virtuosismo técnico, sin que se haya adoptado para la filmación de verdaderas películas de argumento. En contraste al éxito del cinemascope, hacia 1956 no existían aún en el mundo ni veinte salas de cinerama.
Otros procedimientos nuevos puestos en circulación por el cine norteamericano, todos orientados hacia la visión panorámica y la captación de las tres dimensiones del espacio, fueron la Vistavisión y el "Todd-A-O", utilizado por el productor Michael Todd. Ninguno de los dos alcanzó el éxito del cinemascope. Una técnica más espectacular, le Naturalvisión o películas en "3D", que daba la sensación de relieve haciendo que las figuras se "salieran de la pantalla", tuvo una vida muy efímera y desapareció completamente en 1954, un año después de a nacimiento.
Pero el arsenal de recursos técnicos ideados por Hollywood está lejos de agotarse. Hacia 1955 Walt Disney instaló en su famoso parque de atracciones "Disneylandia" el primer y hasta el momento único "circarama". Los espectadores se instalan en una sala cilíndrica, cuyo centro ocupan. Alzando la cabeza, contemplan un soberbio panorama animado sobre los muros: once pantallas cubren el círculo completo de su horizonte, pero esta maravilla aparece apocada al lado de otra que se está fraguando actualmente en los laboratorios cinematográficos del país del norte. Desde hace algunos años los especialistas intentan suprimir lisa y llanamente las pantallas y reproducir por medios electrónicos las imágenes en el espacio mismo. Hasta el momento se han obtenido algunos resultados experimentales bastante satisfactorios, que abren una perspectiva asombrosa: la proyección de figuras animadas de tres dimensiones en el espacio.
Otros procedimientos nuevos puestos en circulación por el cine norteamericano, todos orientados hacia la visión panorámica y la captación de las tres dimensiones del espacio, fueron la Vistavisión y el "Todd-A-O", utilizado por el productor Michael Todd. Ninguno de los dos alcanzó el éxito del cinemascope. Una técnica más espectacular, le Naturalvisión o películas en "3D", que daba la sensación de relieve haciendo que las figuras se "salieran de la pantalla", tuvo una vida muy efímera y desapareció completamente en 1954, un año después de a nacimiento.
Pero el arsenal de recursos técnicos ideados por Hollywood está lejos de agotarse. Hacia 1955 Walt Disney instaló en su famoso parque de atracciones "Disneylandia" el primer y hasta el momento único "circarama". Los espectadores se instalan en una sala cilíndrica, cuyo centro ocupan. Alzando la cabeza, contemplan un soberbio panorama animado sobre los muros: once pantallas cubren el círculo completo de su horizonte, pero esta maravilla aparece apocada al lado de otra que se está fraguando actualmente en los laboratorios cinematográficos del país del norte. Desde hace algunos años los especialistas intentan suprimir lisa y llanamente las pantallas y reproducir por medios electrónicos las imágenes en el espacio mismo. Hasta el momento se han obtenido algunos resultados experimentales bastante satisfactorios, que abren una perspectiva asombrosa: la proyección de figuras animadas de tres dimensiones en el espacio.
RENACIMIENTO EUROPEO
Si bien las nuevas técnicas salvaron a la cinematografía norteamericana del colapso, no fueron suficientes para superar su crisis. Al no estar unidas en la superación de los aspectos intelectuales y estéticos, se han revelado impotentes para devolver al cine norteamericano su antiguo esplendor.
La regla general, salvo honrosas excepciones, es que los EE.UU. produzca actualmente centenares de películas inútiles, conformistas y dulzonas, que poco agradan a las plateas del mundo, las que por lo general, prefieren las cintas europeas, mucho más vitales y penetrantes.
La producción europea experimentó un extraordinario auge después de la Segunda Guerra Mundial, favorecida por el "milagro económico" y la decadencia de Hollywood, que dejó un lugar vacío en la programación de las salas y en las preferencias del público.
Si bien las nuevas técnicas salvaron a la cinematografía norteamericana del colapso, no fueron suficientes para superar su crisis. Al no estar unidas en la superación de los aspectos intelectuales y estéticos, se han revelado impotentes para devolver al cine norteamericano su antiguo esplendor.
La regla general, salvo honrosas excepciones, es que los EE.UU. produzca actualmente centenares de películas inútiles, conformistas y dulzonas, que poco agradan a las plateas del mundo, las que por lo general, prefieren las cintas europeas, mucho más vitales y penetrantes.
La producción europea experimentó un extraordinario auge después de la Segunda Guerra Mundial, favorecida por el "milagro económico" y la decadencia de Hollywood, que dejó un lugar vacío en la programación de las salas y en las preferencias del público.
IMPULSO INNOVADOR: En medio de la decadencia europea, la URSS aportó al cine el esfuerzo de grandes innovadores, como el caso de Vsevolod
En Italia el "séptimo arte" tuvo un florecimiento verdaderamente espectacular gracias al talento y la ambición de algunos cineastas que supieron encontrar una fórmula nueva que, por un lado, dejara satisfechas las exigencias espirituales del público más culto y, por otro, las de las masas menos instruidas. Vittorio De Sica, Roberto Rossellini, Luchino Visconti, Luigi Zampa, Giuseppe de Santis y Carlo Lizzand, surgidos a principios de la década del cuarenta, continuaron produciendo excelentes filmes hasta el día de hoy. Junto a ellos, los más recientes: Federico Fellini, "La Dolce Vita" (1959), y Michelangelo Antonioni, "Eclipse” (1962), han llevado en estos últimos años a la cinematografía itálica a un sitial de privilegio en el mundo.
En Francia, hacia el final de la década del cincuenta, surgió un movimiento de renovación que unía a un gran número de directores jóvenes en busca de nuevas formas expresivas para el cine. Esta nueva savia provocó un verdadero renacimiento de la cinematografía gala, la que en los últimos años ha podido exhibir grandes creaciones, como "Hiroshima, mon Amour" (1959), de Alan Resnais; "Orfeo Negro" (1959), de Marcel Camus; "Los 400 Golpes" (1959), de François Trudfaut, y "Las Primos" (1960), de Claude Chabrol.
En Francia, hacia el final de la década del cincuenta, surgió un movimiento de renovación que unía a un gran número de directores jóvenes en busca de nuevas formas expresivas para el cine. Esta nueva savia provocó un verdadero renacimiento de la cinematografía gala, la que en los últimos años ha podido exhibir grandes creaciones, como "Hiroshima, mon Amour" (1959), de Alan Resnais; "Orfeo Negro" (1959), de Marcel Camus; "Los 400 Golpes" (1959), de François Trudfaut, y "Las Primos" (1960), de Claude Chabrol.
FLORECIMIENTO EUROPEO: “Los Cuatrocientos Golpes” del francés Truffaut y “La Dolce Vita” del italiano Fellini, constituyen obras clásicas de la superación europea de la post guerra
Otros países europeos en que al arte fílmico se encuentra actualmente en un alto nivel son Suecia, patria del famoso y discutido director Ingmar Bergman; Inglaterra, que ha conquistado un público internacional merced a un cine en que alternan el humorismo y la ironía, expresiones de una cultura singular y refinada que tiene pocos rivales en el mundo; y, en general, los países socialistas, en especial la URSS, Checoslovaquia y Alemania Oriental, naciones en que el cinematógrafo goza de gran estima, tanto de las autoridades de gobierno como del público.
Fuente: Los libros Maravillosos, ´´EL CINE´´
Fuente: Los libros Maravillosos, ´´EL CINE´´
Muy interesante Mix, y fijate que en la decacencia de Hollywood, se presento la Epoca de Oro del cine Mexicano.
ResponderEliminarGracias Mix por tu gran e interesante trabajo.
Interesante Mix de verdad. Gracias por el trabajo que te tomas por todo.
ResponderEliminarBesos. M
Como siempre genial la lectura Mix.
ResponderEliminarDIVISMO? DIVISMO????????Mmmmmm a quién me recuerda?..........ayyy tengo amnesia....y DECADENCIA? DECADENCIA?Mmmmmmmmmm espero que esta palabra solo sea un mal sueño.....
Besos brujitas!